Un amigo me demostró lo ingenuo que era: “No, hombre, esto funciona como las emisoras de radio, que reciben gratis los discos que se quieren promocionar. Siempre hay alguno que se cuela en las listas por méritos propios, y de los que llegan los hay mejores o peores, pero es una cuestión de distribución.”. Distribución: ferias, contactos, editores, mercado del arte. Ya.

¿Cuándo el libro de autor empezó a llamarse “fotolibro”? Quizá cuando pareció más cool traducir photobook como fotolibro que como Libro de fotografía de autor. El término es lo de menos, lo que no me gusta es lo que representa. Representa listas a lo “40 principales”, especulación, intereses de todo tipo y pérdida de criterio (al menos, del fotográfico).

Ahora creerás que soy más ingenuo de lo que demostraba al comienzo del texto. El mercado es el mercado, la oferta y la demanda, bla, bla, bla. Lo sé, he leído algo del tema. Pero cuando en las últimas semanas te encuentras cosas como las siguientes, no es para menos que echarse las manos a la cabeza:

Alec Soth, como tantos otros, publica su particular y personal lista de fotolibros preferidos de 2011. Gracias a él, descubro un libro interesante: A criminal investigation, de watabe. La misma noche que leía el artículo de Alec Soth este libro estaba disponible en todas las típicas librerías online, pero a la mañana siguiente no quedaba stock en ninguna de ellas y sólo una semana después el precio se multiplicaba por 3 en canales alternativos.

Paloma al Aire, de Ricardo Cases, aparece muy bien situado en todas las listas de foto-hits. Bravo por Ricardo, lo digo en serio. Me alegra un montón que un nombre español de mi generación tenga cojones a exportar cultura y, más aún, fotografía. Lo apoyo a muerte. Pero clama al cielo que su libro, que cuesta 22 € en el Doctor Nopo, se venda en Amazon USA por 220$ a coleccionistas, desde Minesota-tócateloshuevos. ¿Nos hemos vuelto locos? Un libro de 22€, de los que el autor recibirá probablemente una miseria, genera un beneficio equivalente a 10 veces su valor a un individuo anónimo en apenas unos meses.

Como contrapunto a estos datos, puedo contar que este año mi más preciada adquisición ha sido Somnambulist de Ralph Gibson, primera y única edición de 1970, agotadísima y buscadísima. El precio: 80€, mucho más de lo que nunca he pagado por un libro de fotografía. El agravio comparativo es inevitable.

La misma semana Fontcuberta destacaba en El País, el boom del fotolibro como soporte fotográfico, como objeto de colección y como objeto de inversión, con precios propios del mercado del arte. Me recordaba mucho a los artículos de finanzas de hace unos años (esos del tipo “Chicos, invertir en Terra que es un valor seguro.”), que, con aparente ingenuidad, demuestra las maravillas de un nuevo producto financiero apto para todos los públicos. Lo bueno, dentro de lo malo, que al menos se acuerda de nombrar merecidamente dos trabajos españoles en el pie del artículo, La caza del lobo congelado, de Ricardo Cases e Infinito, de David Jiménez, el libro que a muchos nos hubiera gustado parir.

La última lista que comentaré, porque podría seguir un buen rato, la de photoeye, anunciada a bombo y platillo en twitter y otros canales por aficionados y colectivos. Una lista elaborada a partir de las listas de otros individuos, 26 en total, expertos en la materia. De entre casi 150 libros y un jurado de 26 personas, con sólo 2 votos un libro puede colarse en la lista de “los mejores 21 libros del año” ¿Por qué 21? lo ignoro, pues otros libros con el mismo número de votos se han quedado fuera. Visto lo visto, no hace falta decir la influencia que ejercerá esta lista en las ventas de estos libros, en sus editores e inversores. El efecto social es inmediato, ya hay cientos de blogs que parafrasean las listas de otros.

Ante todo esto, desde mi humilde posición, sólo puedo pedir un poco de criterio. Porque, lo diré abiertamente, no todos los libros que aparecen son buenos libros de fotografía. Diferentes, quizá. Cuestión de opinión, puede ser. El efecto “moda” ha llegado para quedarse en los fotolibros, y por desgracia algunos carecen de lo más importante: que tengan buenas fotografías y que sean buenos para la fotografía, y no sólo para sus autores. Pero nadie lo reconocerá porque, quizá decirlo, mataría la gallina de los huevos de oro.

Tras un buen rato trasteando con la versión para iPad, debo decir que es bastante fiel a la filosofía del original aunque, como era de esperar, mucho más limitado en cuanto a funcionalidad y con un entorno totalmente adaptado al ipad. Creo que podría ser más intuitivo pero, aun así, bien merece la pena esos 15 eurillos que vale.

Echa un vistazo en www.flstudiomobile.com

Los últimos dos meses he recopilado más de 150 fotografías antiguas de más de 40 vecinos diferentes de la Finca Roja, a los que he conocido muy de cerca y además he fotografiado, y no sé qué parte del trabajo he disfrutado más. Sin ninguna duda,realizar las fotografías me ha dado más quebraderos de cabeza, estrés y complicaciones, por supuesto injustificados, y que sólo se deben a las manías propias del fotógrafo, lo que al final pues hace que valores más el fruto de tu esfuerzo. Pero documentar cada retrato con fotografías antiguas de cada persona antes de fotografiarlos ha hecho que la experiencia fuera, de algún modo, más completa, hasta el punto de haberme dejado influir por muchas de ellas. Algunas de esas imágenes en blanco y negro, tan íntimas, cotidianas, con personas desconocidas y tomadas en una época en que la fotografía todavía creaba imágenes nuevas, me han calado muy hondo.

Hablar de las personas que he fotografiado me resultaría tremendamente fácil, ya que sólo podría decir cosas buenas. Creo que hay cierto optimismo en todo el trabajo. Hoy en día parece poco profesional hacer retratos de gente optimista, o sonriente, o con la mirada humilde y normal. Parece que el drama humano es la vía rápida para llegar a la fibra sensible del público en general, no es que me parezca mal, pero creo que no me equivoco al decir esto. Me alegra haber conseguido, creo, cierto tono o atmósfera protectora, optimista, a veces misteriosa, a veces tan normal. Me gustaría creer que ha sido en parte por influencia de esas fotos en blanco y negro que tanto me enganchan y, en parte, por que es la atmósfera que realmente me ha acompañado mientras trabajaba en la finca roja.

A punto de terminar el proyecto, estas son algunas de las fotos antiguas que más me han enganchado junto con algunas de las mías.

Pues en fotografía voy por el mismo camino, cuando creo que ya he aprendido y asimilado algo, en vez de centrarme en disfrutarlo y desarrollarlo, sigo con el más difícil todavía. Si no, cómo se explica lo que voy a explicar.

En los Retratos de la Finca Roja tengo que retratar a varios vecinos de este emblemático edificio de Valencia. Un encargo en el que tengo que conocer a un montón de gente de lo más interesante y además tengo su permiso y beneplácito para hacerles un retrato como yo quiera (dentro de unos límites lógicos). Y en vez de escoger un formato que ya conozca para disfrutar del camino y olvidarme de la parte técnica, me digo a mi mismo ché! ¿que no lo haría en 6 x 4.5?. Sin haberlo probado nunca antes, claro.

Así que un buen amigo me deja una super cámara: Contax 645 con respaldo digital. Toma ya. La noche anterior a la primera sesión. Habrás pensado lo mismo que yo: una cámara es una cámara, no es para tanto. Pero estaréis conmigo en que cuando dominas un equipo, tanto que se convierte en una extensión de tu cabeza, las cosas van mucho mejor. Conclusión: ¡Niños, no hagáis esto en casa!

A ver, la cosa no fue mal: exposición correcta, etc etc… pero no era la foto que esperaba. Es difícil de explicar, las primeras fotos que haces para un proyecto, y siendo consciente de ello, de algún modo determinan el resto del proyecto o lo frustran si no salen como quieres. Por tanto, las primeras fotos no son el mejor momento para experimentar y aprender… ¿o sí?

Es falso eso que dicen que la cámara da igual, pensad lo que queráis, pero no se hacen las mismas fotos con una 35 mm que con una 6×6 TLR. No se hacen las mismas fotos con una cámara de bolsillo que con una contax de casi 3 kilos. Incluso, no se hacen las mismas fotos con una cámara con visor desde la cintura que con visor de prisma.¿problema de personalidad o está justificado?

Como decía, no salió como esperaba, lo cual no significa que saliera mal. Cuando eres consciente de que estás haciendo la primera foto de un proyecto, esa primera foto es increíblemente liberadora. Un click y empiezas a andar, los prejuicios e ideas preconcebidas empiezan a desaparecer. Los muchos vicios que han intoxicado tu cabeza durante la fase de preparación se caen y te sientes tan ligero… Lo que tienes delante es una persona de verdad, de carne y hueso, no es de papel ni digital, como las que has visto los últimos días cuando te documentabas y no ha pasado ningún filtro de photoshop. Y esa persona no tiene ni idea, pero por dentro estás eufórico e hiper-mega-super concentrado porque sin duda significa mucho más para tí que para el retratado aunque guardas las apariencias, para no contagiar los nervios a nadie.

No salió como esperaba. A pesar de todas las buenas intenciones e ideas preconcebidas que llevaba, ha salido algo distinto a como lo había imaginado. Y, sin embargo, es justo lo que quería, lo que el proyecto necesita, aunque, para ser sincero, aún no lo sabía. Lo malo de experimentar en la primera vez es que cuando consigues algo no sabes porqué ha sido ¿es por la forma de trabajar con la cámara o es que mi subconsciente lo tenía más claro de lo que yo pensaba? No sabría responder con seguridad, pero me gusta pensar que, sólo por eso, por dar la oportunidad a que eso ocurra, merece la pena escoger el camino difícil.

Así que hace un tiempo empecé a llevarme la cámara, como válvula de escape cuando las neuronas se me empiezan a freír. La terapia funciona y durante unos minutos veo la escena desde fuera. Me veo a mí mismo haciendo blablabla blablabla, me río un poco y puedo continuar. Por eso a esta serie la he llamado, cariñosamente, los comebolas.

Con este telón de fondo nace Criteria Studio, un estudio de programación orientado al desarrollo de contenidos móviles para usar en cualquier lugar, en cualquier plataforma y en cualquier idioma. El lema del estudio resume esta filosofía: Life is everywhere.

El estudio desarrolla aplicaciones propias para su explotación en los phone markets (como App Store de Apple o el Android Market de Google) y aplicaciones a medida por encargo bajo una filosofía “multi-todo”:

multi-plataforma: aplicaciones compatibles con una amplia gama de plataformas web, dispositivos móviles (Android, iPhone, iPad, BlackBerry, Windows Mobile y Symbian) y S.O. de escritorio (Windows, Mac y Linux).

multi-tecnología: empleando la tecnología cliente o servidor más adecuada en cada caso: HTML/CSS, Javascript, Flex/ActionScript, Java, AIR, lenguajes nativos, PHP y SQL.

multi-profile: distintos accesos según perfil de usuario y plataforma. Por ejemplo, una aplicación móvil consistente en un catálogo de productos que se complementa con una aplicación web para la gestión de dicho catálogo por un administrador.

multi-disciplinar: se define la lógica de negocio, se diseñan los procedimientos de usuario y la arquitectura del software y finalmente se desarrolla el código y diseño de la aplicación. Siempre en este orden y siempre con el mismo equipo de personas, lo que facilita enormemente la consecución del proyecto.

multi-idioma

Tanto la web como las primeras aplicaciones estarán disponibles en poco tiempo, con un poco de suerte, el suficiente para empezar a moverlas en el GSMA.

Para más información sobre Criteria Studio, contacta conmigo en info@criteriastudio.com o desde el formulario de contacto.

Cuando he vuelto a trabajar en analógico sabía que tenía que hacer algo. Nueva cámara, nueva película, nuevo fotómetro… lo de nuevo es un decir, nuevos para mí, porque el equipo más reciente tiene unos 40 años. Demasiadas pruebas que hacer hasta conseguir exposiciones buenas. La solución fue tan fácil como efectiva: usar una pequeña cámara digital como fotómetro. Mientras los puristas se rasgan las vestiduras, os explico cómo trabajo y las ventajas que ha tenido para mí:

Con la cámara digital en manual, la configuro con el mismo ISO que la película que estoy utilizando, hago la medición que me interesa Y hago la foto. Después traslado la medición a la cámara analógica y hago la misma foto. Si pienso hacer varias exposiciones con distintas profundidades de campo, las hago tanto con la digital como con la analógica (en este punto, debo decir que de momento todo lo que hago con analógico lo hago con trípode y por tanto el ritmo de trabajo es bastante lento).

Ventajas:

Primero, me ahorro llevar el fotómetro de mano. Los fotómetros de mano son super chulos (sobre todo los míos: un gossen lunasix y un sekonik studio deluxe) y ligas un montón con ellos, pero hacer mediciones precisas para paisaje es muy difícil. Con la cámara digital no fallas. La cámara y la película pueden requerir algún ajuste, lo mismo que con un fotómetro, pero se aprende rápido.

Segundo, ¡me ahorro la libreta! La foto digital guarda todos los datos EXIF que necesito: velocidad, diafragma, iso, hora de captura, etc. Además, puedo usarla para tomar notas de campo, posibles localizaciones, etc. Es como un fotómetro, pero con vista previa y memoria.

Y la cámara ocupa menos que el fotómetro y la libreta juntos.

Actualmente trabajo con película de diapositivas, que hay que exponer para las luces, al igual que en digital y al contrario que en negativo. Cuando trabaje con negativo tendré  que “echar el histograma a la izquierda”, en vez de a la derecha. Por lo demás, ¡está chupado!

Esto ha tenido otro efecto inesperado: la posibilidad de comparar las fotos digitales con las analógicas, lo cual tiene  su morbo. Básicamente hay diferencias en la curva de respuesta y en el color. En algunas, la combinación de saturación y contraste de la provia es difícil de igual con la digital. En otras,  pienso que hago el canelo por trabajar en analógico, con lo barato que saldría hacerlo todo en digital.

Ahora sólo me falta alguna manera de grabar la información del escaneado, pero esto es otra historia…

Algunas fotos están desenfocadas por un problemilla que tuve con la cámara, pero no afecta al color ni a la exposición. En cada pareja, la foto de la izquierda es la digital.

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Todavía hoy, cuando conozco gente y se me ocurre decir que soy de Benidorm, muchos me hacen preguntas (para mí absurdas) sobre si en Benidorm vive gente, cómo se vive, etc. Una vez me preguntaron si vivíamos juntos, con los turistas, en la misma ciudad, o había alguna especie de gueto para residentes. Nunca me ha molestado, supongo que no es el tipo de preguntas que le hacen a todo el mundo, pero al final uno termina por preguntarse qué imagen tiene la gente de fuera, la que no lo conoce o sólo ha estado unos días de paso, de vacaciones.

Ya hace años que no vivo en Benidorm, pero voy a menudo por los lazos que me unen allí. Desde hace 2 ó 3 años me planteaba realizar un proyecto fotográfico sobre esta ciudad y otras de alrededor como Altea o Alfaç, dando mi visión subjetiva y personal. El primero proyecto resultante de esta idea se llama “En busca del paraíso” y es más que un trabajo sobre estos lugares, es el medio que utilizo para expresar ese ideal de “paraíso”, no como un lugar en la tierra, si no como un estado emocional o mental.

Os dejo la descripción del proycto y en enlace a la web:

Desde los años ‘60, miles de personas han emigrado a Benidorm en busca una nueva vida y oportunidades. En su búsqueda, han sido parte activa de la creación de la ciudad y los municipios colindantes. El pequeño pueblo de pescadores crecía de 6.000 a 70.000 habitantes en apenas 50 años, con capacidad para otros tantos visitantes. El ir y venir de turistas es ajeno a los anhelos y vidas de quienes lo habitan mientras, lejos de las razones que les trajeron hasta aquí, crecen, construyen su mundo y conviven con el choque cultural inevitable de una ciudad nueva que vive para servir a quienes la visitan.

El paraíso no es un lugar, si no un estado. La búsqueda del paraíso es la búsqueda de la felicidad. Este trabajo es un homenaje a estos lugares, a menudo ignorados, que son, y serán, las raíces de muchos y a las personas que han participado en ellos.

www.proyectoparaiso.com

Para entendernos, es como aprender a hacer fotos. Empiezas por conceptos como velocidad de obturación, apertura de diafragma… lo necesario para usar la herramienta. Sin embargo, sólo con eso, aún estamos lejos de saber hacer fotos. Antes hay que aprender a mirar. Usado con criterio, Lightroom nos ayuda a cuidar nuestras imágenes, a sacarles todo el provecho posible y a mirar toda nuestra Obra con una perspectiva temporal, por grande o pequeña que sea.

En nuestra vida de fotógrafos crearemos muchas, muchísimas, imágenes y es necesario empezar cuanto antes a gestionar esa ingente cantidad de información. La experiencia me dice que hacemos muy poco por nuestras viejas fotografías, cuando lo cierto es que las imágenes son el mayor activo de un fotógrafo ¿o no? ¿estamos preparados para 20 ó 30 años más de producción fotográfica? ¿recordaremos entonces las fotos que hacemos ahora? ¿sabremos siquiera dónde están? Tener un flujo de trabajo planificado no sólo nos ahorrará disgustos en caso de catástrofe, además hará nuestro trabajo mucho más eficiente y todo nuestro archivo de imágenes (y me refiero a todo, completo, hasta la última imagen) estará vivo, siempre accesible y navegable.

¡Y hasta aquí puedo leer! Tienes más información sobre el taller en www.tallerdelightroom.com

Esto ya de por sí es una putada, porque me quedo sin cámara y porque me para el trabajo. Si a eso le añado que hacía meses que no revelaba los carretes por falta de tiempo y dinero, el resultado son 4 meses de trabajo tirados a la basura. Jodido y desenfocado.

Sólo he escaneado un carrete, el resto creo que se irán a la basura directamente

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Este libro no podía sorprenderme en mejor momento, porque estoy trabajando en un proyecto en blanco y negro donde la forma de la luz – y sobre todo la sombra – tiene una gran importancia.

Estas son algunas fotografías del proyecto.

Después, el tedioso trabajo del escaneo se carga toda la magia del momento. Aún así, merece la pena, porque por fin veo las fotos en la pantalla y en positivo, aunque en mi cabeza las tuviera desde antes incluso de hacerlas.

No sé decir con exactitud sobre qué ha tratado el taller. No es un taller para aprender a hacer fotos, ni sobre historia de la fotografía, aunque he aprendido cosas en ambos sentidos. El título del taller, “La Visión Fotográfica”, puede hacer pensar que uno va a salir con una especie de poder especial para hacer super-fotos o algo así o, peor aún, podría inducir a pensar que descubriremos lo que es esa Visión, la única y verdadera, como si existiera tal cosa.

Pero el estilo y ritmo de Eduardo es mucho más sencillo, tranquilo y mundano que cualquier poder extraordinario que uno se pueda  imaginar. Y es que la cuestión que plantea es tan simple y directa que acongoja: ¿Porqué hacemos fotografías?

Como ocurre en muchas ocasiones, no es tan importante la respuesta como el proceso mental que implica contestarla, proceso por el que Eduardo nos guía de manera amable pero sin concesiones, así que nadie debe esperar encontrar en este texto la respuesta definitiva.

Es posible que cada uno hayamos salido del taller con una respuesta a esta pregunta, o incluso varias, pero sin duda hay una que prevalece. Y es que, lo que importa de verdad, es hacer buenas fotografías. Sorprender al mundo haciendo las mejores fotografías que seamos capaces, sin interferencias ni “cantos de sirenas”.

Cuando alguien asegura que lo importante no es conseguir becas, ni publicar libros, ni exponer en galerías, que todo eso llegará si tiene que llegar, te das cuenta que realmente se trata de una persona comprometida con la fotografía, preocupada porque en un mundo absolutamente infestado de creadores de imágenes haya cada día mejores fotografías. A mí me ha transmitido esa visión del mundo de la fotografía y esa especie de paz interior para hacer fotos a mi manera, sin interferencias, quizá sea a eso a lo que se refieren con la visión fotográfica. Y de todo lo bueno que puedo decir del taller, que es mucho, es lo que más me importa.

Eduardo ha publicado un libro muy recomendable llamado “La visión fotográfica“ que puede comprarse en su web .

La primera fotografía que me encuentro es una anónima de 1890 de la caída de un caballo. Difícil de describir, pero muy interesante… después Kertész, Cartier-Bresson, Brassaï, Atget… ¿me dejo algún clásico? Por supuesto, no podía faltar la consabida sección de besos y cafés parisinos, incluido el de Robert Doisneau, pero pronto terminan y la lista continua: Bernard Plossu, Lartigue, Boubat, Koudelka…

Hacerse con una pequeña muestra fotográfica de los clásicos por 10 euretes siempre es un alegrón, es un buen libro que recomiendo, a pesar de que la editorial no haya resistido la tentación de ponerle un título tan recurrente. Y no es que tenga nada contra el romanticismo, sino cómo se explica que esta mañana le haya mandado un ramo de flores a mi novia para celebrar que es viernes (aunque se las haya enviado en foto y por facebook).

Además de la web, tengo prácticamente terminado el artículo técnico que se publicará, si todo va bien, en alguna publicación científica este año, aunque es un proceso lento.

printfromscreen.org tendrá como objetivo albergar todos los avences y descubrimientos de la técnica y servir como lugar de debate y centro de conocimiento. Además, permitirá descargar el software Digilab, necesario para controlar el tiempo de exposición de las ampliaciones. El sitio se podrá visitar en dos idiomas, inglés y español, para llegar al mayor número de usuarios posible.

Eso fue en septiembre y poco después pasaba de la goma bicromatada a los haluros de plata, con el fin de revelar imágenes digitales en papel fotográfico blanco y negro en el cuarto oscuro.

Por si aún tienes dudas de lo que estoy haciendo, resumiré en qué consiste la técnica: estoy positivando imágenes digitales sobre papel “químico” fotográfico y revelando el papel en el cuarto oscuro, como se haría con un negativo normal. Para ello, coloco el papel fotográfico sobre la pantalla del ordenador (en la que tenemos la imagen en negativo que queremos positivar) y después se procesa el papel de forma normal, con los baños de revelado, paro, fijador y aclarado.

El tema no es trivial en absoluto, ya que con las gomas los tiempos de exposición eran de varios minutos, pero el papel de clorobromuro de plata requiere apenas unos segundos. Así que ¿cómo controlar la imagen en pantalla con precisión?

Entre octubre y noviembre de 2009 empecé a trabajar en un programa que me permitía controlar el tiempo de exposición de la imagen, programa que he llamado DigiLab. Lo que empezó siendo un simple cronómetro que controlaba la imagen en pantalla se ha convertido en un completo asistente para el laboratorio. Permite crear tiras de prueba, trabajar con papeles de contraste variable (mediante filtros de colores), invertir la imagen y editar parámetros básicos como brillo, contraste, color, tamaño, etc. Ah, y es multiplataforma, compatible con PC, Mac y Linux.

El positivado lo estoy realizando por contacto con la pantalla. Eso limita el tamaño del papel (que nunca podrá ser mayor que el monitor), pero con un monitor de 21″ puedo hacer copias en 24 x 30 cm. lo cual es suficiente para mí (y para muchos aficionados).

Me quedan muchos ajustes que hacer y mucho que aprender, y es que nunca antes había revelado, así que voy  aprendiendo los secretos del positivado a la vez que desarrollo la técnica y el programa Digilab. Y es que a todos los parámetros que afectan en la creación de una buena copia, hay que incluir todos los parámetros nuevos (y no documentados) que dependen del monitor o el proyector: brillo, contraste, gamma, balance de blancos…

Entre mis objetivos a futuro, probar la técnica con un proyector digital, perfeccionar el revelado en blanco y negro, desarrollar una guía para iniciarse y experimentar con el procesado en color que, por difícil que sea, es lo que más me apetece.

Pero, sobre todo, me gustaría crear una comunidad on-line dedicada al Positivado por Transferencia. La idea es publicar Digilab como software gratuito, crear una base de documentación oficial en español e inglés y difundir la técnica lo más posible, incluso a través de talleres. También necesito conseguir algún tipo de soporte o patrocinio para costear el material necesario para experimentar: papel, líquidos y material de laboratorio de todo tipo, para lo cual espero contar con el apoyo de alguna marca. Pero, con más o menos recursos, esto saldrá adelante.

Tardaré algunos meses en poner todo en marcha, sobre todo porque mi “tiempo libre” es limitado, pero llegará, así que no dejéis de enviarme ideas, sugerencias y comentarios ¡Serán bienvenidos!

Os dejo unas fotos de la última sesión de revelado en el baño de casa. Como véis, tengo un portátil con el que controlo Digilab y una 2ª pantalla externa (apoyada en la mesa) que es la que uso para positivar el papel. La primera foto es una captura del programa Digilab. El resto de fotos muestran un poco de todo, como veis, se pueden positivar fotos normales o fotomontajes digitales… al papel le da igual lo que le pongas!  Y eso es lo que me encanta.

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Este microscopio sirve para ampliar superficies reflectantes (como metales). Lo más interesante es que tiene una ranura para acoplar una preciosa cámara Zorki de 35 mm, incluida con el equipo. Antes de probar con película, sin estar muy seguros de lo que saldría, pusimos el cuerpo de una DSLR sin objetivo, a ver qué pasaba… y voilá! la imagen apareció a la primera. Por desgracia, el acople no era perfecto, por lo que el enfoque era difícil de ajustar.

Sólo fueron unas pruebas, pero las imágenes me encantan. Utilizamos una moneda, un trozo de plástico y alguna cosa más que teníamos a mano, y las texturas y colores son de lo más interesantes. Estoy deseando volver a probar!

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Las fotos no llegan ni a la suela de las que hay en algunas páginas, como la de Nikon Small World, dedicadas a este tema. Pero la exploración de ese mundo microscópico que nos rodea, aunque no lo veamos, siempre es una gozada y supone en sí mismo toda una experiencia recomendable.

Cada vez estoy más convencido de que estas canciones servirían de banda sonora de alguna serie de dibujos manga, con robots y explosiones y cosas así ¿algún interesado en colaborar…?

Como en temas anteriores, he utilizado Morphine para la voz principal, me encanta ese sonido digital lo-fi, caraterístico de todos los temas de la serie. Además he empezado a experimentar con Harmless, un sinte muy potente, cuya potencia erradica en su sencillez de uso y usabilidad. Y también he utilizado Drumaxx. Solo hace dos días que se ha presentado al público y ya estoy enamorado de él. Drumaxx es un instrumento de percusión por síntesis. Los sonidos se sintetizan a cada golpe, en vez de usar muestras .wav, lo que se supone que mejora la expresión y la naturalidad del sonido. Pero, por encima de todo, el sonido es espectacular. Trae cantidad de presets de todos los estilos, y los de la categoría “Lo-Fi” son los más chulos. Con decir que uno de los presets es de sonidos del Commodore 64… La base rítmica del final del tema y algunas percusiones sueltas en el resto de la canción son de Drumaxx (el resto es FPC).

Así que el próximo tema promete estar repleto de ruiditos electrónicos y voces robóticas a tutiplen!

Puedes escuchar el resto de canciones en la sección Mi Música

Issuu es un kiosko on-line en el que cualquiera puede tener su propia publicación sin gastarse un pastón en el papel. Será tontería o será fetichismo, pero los documentos en Issuu son más atractivos, quizá por ese brillo tipo glossy paper o por la vista en doble página.

En cualquier caso, es un lugar increíble para perderse navegando en sus contenidos. Os dejo algunos de mis descubrimientos de temática fotográfica:

Fotografía documental o similar:

Piel de foto #3. El proyecto Piel de Foto (ver su web) es, en cualquier caso, de obligado conocimiento.

72 frames

la mirada del otro

extravagantes photo (mi preferido, todas sus publicaciones son una gozada)

libro clima

silentnoise

the_eastern_front_in_photographs

Editorial moda, diseño y magazines:

kinkimag

3tree

thesizeissue

fused35

chaos

sharemag 02

Si te quedas con ganas de más, también puedes navegar por esta selección de 40 revistas digitales dedicadas a la fotografía. No tienen nada que ver con Issuu, pero también son para perderse un rato.

Es la primera vez que mostraré los resultados de mi experimentación con el Positivado por transferencia de píxeles. Toda la obra se ha realizado en formato digital y positivada en papel baritado mediante revelado químico “tradicional” en blanco y negro (en esta ocasión he prescindido de la goma bicromatada por falta de tiempo). Los que tengáis interés en ver los resultados, puede ser una buena ocasión si estáis por Valencia.

La exposición se encuentra en el edificio de la Vakeri, en la C/ las monjas, Valencia (la única calle perpendicular a Bolsería):

En el marco del festival se celebran muchas otras actividades muy recomendables que no os podéis perder. Además, el domingo a las 19:00 se celebrará el acto de clausura en la Vakeri, así que espero veros por allí!

Estamos acostumbrados a clasificar la fotografía por el contenido que representan, es decir, de forma descriptiva. Algunos de los tipos de fotografía más comunes que solemos identificar* son retrato, paisaje, narrativa, objeto, moda, documento, ciudad, etc. Es una clasificación que podríamos llamar “vertical”, por la especialización de cada área y la relativa facilidad con que podríamos diferenciar unas de otras por simple observación.

No obstante, ocurre que ciertos trabajos no se clasifican con facilidad en este orden. Especialmente los fotógrafos, es decir, los autores, a menudo se sienten presionados por editar sus trabajos manteniendo esta verticalidad, cuando es posible que elementos de distintas especialidades tengan elementos comunes, lo que puede conllevar cierta frustración o encadenamiento por dar coherencia a nuestro trabajo.

Personalmente, me ayudó mucho conocer una clasificación alternativa** que no trata de clasificar el contenido de la fotografía, como si tan sólo fuera un objeto, si no que analiza la percepción con que esa imagen se ha obtenido. De algún modo, y esto es una interpretación personal, se pasa del análisis de la obra al análisis de la intención y de la percepción. Entendido y asimilado esto, creo que es una herramienta que puede ayudar al desarrollo personal del autor y de su obra, permitiendo moverse libremente de forma “horizontal” de una especialidad a otra, pero manteniendo la misma intención o percepción.

Esta clasificación, de forma resumida, identifica los siguientes tipos de fotografía:

1. Fotografía de imaginación, en la que se reinterpreta la realidad para darle un nuevo sentido sólo posible a través de la fotografía.
2. Fotografía de emociones, que cubriría la expresión humana en el más amplio sentido.
3. Fotografía de la memoria, que entiende las percepciones, impresiones y experiencias acumuladas.
4. Fotografía de asociación, la cual pretende recrear patrones asociativos en el observador.
5. Fotografía de sensaciones, que se refiere a los cinco sentidos de la percepción humana.

Que me perdone el autor por tan parco resumen, sin duda recomiendo el texto original para profundizar más en cada concepto. El planteamiento me gusta porque es absolutamente abstracto y muy flexible, amplía las posibilidades de cualquier proyecto en vez de limitarlas y, como ejercicio, reto al autor a clasificar algún trabajo personal o conocido de otro autor, cuanto más inclasificable mejor.

Dicho esto, insto a todo el que tenga una cámara a mano, que se deje de clasificaciones y salga a la calle (o donde mejor le venga) a fotografiar.

Esa ilusión es la que me llevó a visitar su exposición de Desnudos en la librería Railowsky, innaugurada unos días atrás. A la entrada, un pequeño recorte de prensa anunciaba su muerte. Incrédulo, casi idiotizado, corroboraba con el dependiente la veracidad de la noticia, por la necesidad de compartir el disgusto con alguien o por terminar de digerir el trago.

Terminé de ver la exposición con una extraña sensación, sabiendo que el autor de esas fotos acababa de fallecer y aún con el golpe de la noticia en mi cabeza. Me resultaba difícil interpretar el mensaje de cada foto sin el mensaje ímplicito de la Muerte en la cabeza. Seguramente, cualquier otro tipo de fotografía me habría resultado más fácil de digerir. Pero el desnudo es diferente. El desnudo, con toda su belleza, es el estado natural del ser humano, lo que incluye la vida y la muerte. No paraba de darle vueltas a las reflexiones de Roland Barthes sobre la Muerte y la fotografía. Pero sus reflexiones se limitaban al sujeto fotografiado, a la modelo, que sin duda fue en algún momento lo que cada una de esas fotos corrobora e, inevitablemente, algún día alcanzará lo que a todos nos depara la naturaleza. Pero en este caso la muerte tomaba su protagonismo fuera de cada foto y yo, como espectador, no podía evitar pensar en el fotógrafo, ahora ausente.

No era la primera ni será la última vez que observe imágenes de un fotógrafo fallecido. La Muerte es una constante en la fotografía, como lo es en la vida misma, pero gracias a Koldo ha adquirido para mí una nueva dimensión. Y es que hay grandes personas que hasta con su marcha nos enseñan. Adiós y gracias, Maestro.

Por supuesto, absolutamente manual: enfoque a pelo y sin fotómetro. Para medir la exposición utilizaba el fotómetro de una cámara digital (o al menos, para tener una primera lectura). Encuadrar es una locura, para la foto de la iglesia estuve 3 ó 4 minutos hasta conseguir unas líneas más o menos rectas y centradas (y sin tener en cuenta el error de paralelaje entre el visor y el objetivo), por que la imagen del visor se ve reflejada, como en espejo.

Desgraciadamente, por falta de experiencia, de tiempo o por pura inutilidad mía, no supe cambiar el primer carrete, así que tan sólo hice 12 tomas… Más de uno se reirá, pero la cámara era rara de cojones y la cuestión no era cómo cambiar el carrete, si no cómo hacerlo sin perder las fotos que había dentro. Reíros, reíros, pero me llevó lo suyo…!

En fin, 12 fotos de cabras, paisajes de Asturias, de mi novia y algún lugar perdido, pero 12 fotos que disfruté como un enano. Aquí os dejó alguna, esperando repetir pronto, porque la cámara engancha y el medio formato también.

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Se trata de un completo software de edición y grabación de audio, multipistas y con una extensa librería de sonidos predefinidos para crear canciones desde cero en un plis plas. También permite importar sonidos propios e incluso grabación directa e incorpora algunos conceptos más avanzados como automatización de parámetros y efectos de sonido. Al final de nuestro trabajo, podemos guardar todo nuestro proyecto o hacer una mezcla final del tema. Algo que no sorprende en una aplicación de audio normal, pero recordemos que se trata de una página web totalmente online, lo que significa que podemos acceder a ella desde cualquier ordenador con conexión.

Resultaría injusto comparar Myna con otras aplicaciones profesionales dedicadas a la edición de audio, pero desde luego es un experimento interesante y recomendable conocer.

Por cierto, he conocido Myna gracias al siempre interesante blog de Mijel dedicado al audio digital.

Te recomiendo probar la aplicación o, por lo menos, echar un ojo al video de presentación: