Eso fue en septiembre y poco después pasaba de la goma bicromatada a los haluros de plata, con el fin de revelar imágenes digitales en papel fotográfico blanco y negro en el cuarto oscuro.

Por si aún tienes dudas de lo que estoy haciendo, resumiré en qué consiste la técnica: estoy positivando imágenes digitales sobre papel “químico” fotográfico y revelando el papel en el cuarto oscuro, como se haría con un negativo normal. Para ello, coloco el papel fotográfico sobre la pantalla del ordenador (en la que tenemos la imagen en negativo que queremos positivar) y después se procesa el papel de forma normal, con los baños de revelado, paro, fijador y aclarado.

El tema no es trivial en absoluto, ya que con las gomas los tiempos de exposición eran de varios minutos, pero el papel de clorobromuro de plata requiere apenas unos segundos. Así que ¿cómo controlar la imagen en pantalla con precisión?

Entre octubre y noviembre de 2009 empecé a trabajar en un programa que me permitía controlar el tiempo de exposición de la imagen, programa que he llamado DigiLab. Lo que empezó siendo un simple cronómetro que controlaba la imagen en pantalla se ha convertido en un completo asistente para el laboratorio. Permite crear tiras de prueba, trabajar con papeles de contraste variable (mediante filtros de colores), invertir la imagen y editar parámetros básicos como brillo, contraste, color, tamaño, etc. Ah, y es multiplataforma, compatible con PC, Mac y Linux.

El positivado lo estoy realizando por contacto con la pantalla. Eso limita el tamaño del papel (que nunca podrá ser mayor que el monitor), pero con un monitor de 21″ puedo hacer copias en 24 x 30 cm. lo cual es suficiente para mí (y para muchos aficionados).

Me quedan muchos ajustes que hacer y mucho que aprender, y es que nunca antes había revelado, así que voy  aprendiendo los secretos del positivado a la vez que desarrollo la técnica y el programa Digilab. Y es que a todos los parámetros que afectan en la creación de una buena copia, hay que incluir todos los parámetros nuevos (y no documentados) que dependen del monitor o el proyector: brillo, contraste, gamma, balance de blancos…

Entre mis objetivos a futuro, probar la técnica con un proyector digital, perfeccionar el revelado en blanco y negro, desarrollar una guía para iniciarse y experimentar con el procesado en color que, por difícil que sea, es lo que más me apetece.

Pero, sobre todo, me gustaría crear una comunidad on-line dedicada al Positivado por Transferencia. La idea es publicar Digilab como software gratuito, crear una base de documentación oficial en español e inglés y difundir la técnica lo más posible, incluso a través de talleres. También necesito conseguir algún tipo de soporte o patrocinio para costear el material necesario para experimentar: papel, líquidos y material de laboratorio de todo tipo, para lo cual espero contar con el apoyo de alguna marca. Pero, con más o menos recursos, esto saldrá adelante.

Tardaré algunos meses en poner todo en marcha, sobre todo porque mi “tiempo libre” es limitado, pero llegará, así que no dejéis de enviarme ideas, sugerencias y comentarios ¡Serán bienvenidos!

Os dejo unas fotos de la última sesión de revelado en el baño de casa. Como véis, tengo un portátil con el que controlo Digilab y una 2ª pantalla externa (apoyada en la mesa) que es la que uso para positivar el papel. La primera foto es una captura del programa Digilab. El resto de fotos muestran un poco de todo, como veis, se pueden positivar fotos normales o fotomontajes digitales… al papel le da igual lo que le pongas!  Y eso es lo que me encanta.

Este microscopio sirve para ampliar superficies reflectantes (como metales). Lo más interesante es que tiene una ranura para acoplar una preciosa cámara Zorki de 35 mm, incluida con el equipo. Antes de probar con película, sin estar muy seguros de lo que saldría, pusimos el cuerpo de una DSLR sin objetivo, a ver qué pasaba… y voilá! la imagen apareció a la primera. Por desgracia, el acople no era perfecto, por lo que el enfoque era difícil de ajustar.

Sólo fueron unas pruebas, pero las imágenes me encantan. Utilizamos una moneda, un trozo de plástico y alguna cosa más que teníamos a mano, y las texturas y colores son de lo más interesantes. Estoy deseando volver a probar!

Las fotos no llegan ni a la suela de las que hay en algunas páginas, como la de Nikon Small World, dedicadas a este tema. Pero la exploración de ese mundo microscópico que nos rodea, aunque no lo veamos, siempre es una gozada y supone en sí mismo toda una experiencia recomendable.

Cada vez estoy más convencido de que estas canciones servirían de banda sonora de alguna serie de dibujos manga, con robots y explosiones y cosas así ¿algún interesado en colaborar…?

Como en temas anteriores, he utilizado Morphine para la voz principal, me encanta ese sonido digital lo-fi, caraterístico de todos los temas de la serie. Además he empezado a experimentar con Harmless, un sinte muy potente, cuya potencia erradica en su sencillez de uso y usabilidad. Y también he utilizado Drumaxx. Solo hace dos días que se ha presentado al público y ya estoy enamorado de él. Drumaxx es un instrumento de percusión por síntesis. Los sonidos se sintetizan a cada golpe, en vez de usar muestras .wav, lo que se supone que mejora la expresión y la naturalidad del sonido. Pero, por encima de todo, el sonido es espectacular. Trae cantidad de presets de todos los estilos, y los de la categoría “Lo-Fi” son los más chulos. Con decir que uno de los presets es de sonidos del Commodore 64… La base rítmica del final del tema y algunas percusiones sueltas en el resto de la canción son de Drumaxx (el resto es FPC).

Así que el próximo tema promete estar repleto de ruiditos electrónicos y voces robóticas a tutiplen!

Puedes escuchar el resto de canciones en la sección Mi Música

Issuu es un kiosko on-line en el que cualquiera puede tener su propia publicación sin gastarse un pastón en el papel. Será tontería o será fetichismo, pero los documentos en Issuu son más atractivos, quizá por ese brillo tipo glossy paper o por la vista en doble página.

En cualquier caso, es un lugar increíble para perderse navegando en sus contenidos. Os dejo algunos de mis descubrimientos de temática fotográfica:

Fotografía documental o similar:

Piel de foto #3. El proyecto Piel de Foto (ver su web) es, en cualquier caso, de obligado conocimiento.

72 frames

la mirada del otro

extravagantes photo (mi preferido, todas sus publicaciones son una gozada)

libro clima

silentnoise

the_eastern_front_in_photographs

Editorial moda, diseño y magazines:

kinkimag

3tree

thesizeissue

fused35

chaos

sharemag 02

Si te quedas con ganas de más, también puedes navegar por esta selección de 40 revistas digitales dedicadas a la fotografía. No tienen nada que ver con Issuu, pero también son para perderse un rato.

Es la primera vez que mostraré los resultados de mi experimentación con el Positivado por transferencia de píxeles. Toda la obra se ha realizado en formato digital y positivada en papel baritado mediante revelado químico “tradicional” en blanco y negro (en esta ocasión he prescindido de la goma bicromatada por falta de tiempo). Los que tengáis interés en ver los resultados, puede ser una buena ocasión si estáis por Valencia.

La exposición se encuentra en el edificio de la Vakeri, en la C/ las monjas, Valencia (la única calle perpendicular a Bolsería):

En el marco del festival se celebran muchas otras actividades muy recomendables que no os podéis perder. Además, el domingo a las 19:00 se celebrará el acto de clausura en la Vakeri, así que espero veros por allí!

Estamos acostumbrados a clasificar la fotografía por el contenido que representan, es decir, de forma descriptiva. Algunos de los tipos de fotografía más comunes que solemos identificar* son retrato, paisaje, narrativa, objeto, moda, documento, ciudad, etc. Es una clasificación que podríamos llamar “vertical”, por la especialización de cada área y la relativa facilidad con que podríamos diferenciar unas de otras por simple observación.

No obstante, ocurre que ciertos trabajos no se clasifican con facilidad en este orden. Especialmente los fotógrafos, es decir, los autores, a menudo se sienten presionados por editar sus trabajos manteniendo esta verticalidad, cuando es posible que elementos de distintas especialidades tengan elementos comunes, lo que puede conllevar cierta frustración o encadenamiento por dar coherencia a nuestro trabajo.

Personalmente, me ayudó mucho conocer una clasificación alternativa** que no trata de clasificar el contenido de la fotografía, como si tan sólo fuera un objeto, si no que analiza la percepción con que esa imagen se ha obtenido. De algún modo, y esto es una interpretación personal, se pasa del análisis de la obra al análisis de la intención y de la percepción. Entendido y asimilado esto, creo que es una herramienta que puede ayudar al desarrollo personal del autor y de su obra, permitiendo moverse libremente de forma “horizontal” de una especialidad a otra, pero manteniendo la misma intención o percepción.

Esta clasificación, de forma resumida, identifica los siguientes tipos de fotografía:

1. Fotografía de imaginación, en la que se reinterpreta la realidad para darle un nuevo sentido sólo posible a través de la fotografía.
2. Fotografía de emociones, que cubriría la expresión humana en el más amplio sentido.
3. Fotografía de la memoria, que entiende las percepciones, impresiones y experiencias acumuladas.
4. Fotografía de asociación, la cual pretende recrear patrones asociativos en el observador.
5. Fotografía de sensaciones, que se refiere a los cinco sentidos de la percepción humana.

Que me perdone el autor por tan parco resumen, sin duda recomiendo el texto original para profundizar más en cada concepto. El planteamiento me gusta porque es absolutamente abstracto y muy flexible, amplía las posibilidades de cualquier proyecto en vez de limitarlas y, como ejercicio, reto al autor a clasificar algún trabajo personal o conocido de otro autor, cuanto más inclasificable mejor.

Dicho esto, insto a todo el que tenga una cámara a mano, que se deje de clasificaciones y salga a la calle (o donde mejor le venga) a fotografiar.

Esa ilusión es la que me llevó a visitar su exposición de Desnudos en la librería Railowsky, innaugurada unos días atrás. A la entrada, un pequeño recorte de prensa anunciaba su muerte. Incrédulo, casi idiotizado, corroboraba con el dependiente la veracidad de la noticia, por la necesidad de compartir el disgusto con alguien o por terminar de digerir el trago.

Terminé de ver la exposición con una extraña sensación, sabiendo que el autor de esas fotos acababa de fallecer y aún con el golpe de la noticia en mi cabeza. Me resultaba difícil interpretar el mensaje de cada foto sin el mensaje ímplicito de la Muerte en la cabeza. Seguramente, cualquier otro tipo de fotografía me habría resultado más fácil de digerir. Pero el desnudo es diferente. El desnudo, con toda su belleza, es el estado natural del ser humano, lo que incluye la vida y la muerte. No paraba de darle vueltas a las reflexiones de Roland Barthes sobre la Muerte y la fotografía. Pero sus reflexiones se limitaban al sujeto fotografiado, a la modelo, que sin duda fue en algún momento lo que cada una de esas fotos corrobora e, inevitablemente, algún día alcanzará lo que a todos nos depara la naturaleza. Pero en este caso la muerte tomaba su protagonismo fuera de cada foto y yo, como espectador, no podía evitar pensar en el fotógrafo, ahora ausente.

No era la primera ni será la última vez que observe imágenes de un fotógrafo fallecido. La Muerte es una constante en la fotografía, como lo es en la vida misma, pero gracias a Koldo ha adquirido para mí una nueva dimensión. Y es que hay grandes personas que hasta con su marcha nos enseñan. Adiós y gracias, Maestro.

Por supuesto, absolutamente manual: enfoque a pelo y sin fotómetro. Para medir la exposición utilizaba el fotómetro de una cámara digital (o al menos, para tener una primera lectura). Encuadrar es una locura, para la foto de la iglesia estuve 3 ó 4 minutos hasta conseguir unas líneas más o menos rectas y centradas (y sin tener en cuenta el error de paralelaje entre el visor y el objetivo), por que la imagen del visor se ve reflejada, como en espejo.

Desgraciadamente, por falta de experiencia, de tiempo o por pura inutilidad mía, no supe cambiar el primer carrete, así que tan sólo hice 12 tomas… Más de uno se reirá, pero la cámara era rara de cojones y la cuestión no era cómo cambiar el carrete, si no cómo hacerlo sin perder las fotos que había dentro. Reíros, reíros, pero me llevó lo suyo…!

En fin, 12 fotos de cabras, paisajes de Asturias, de mi novia y algún lugar perdido, pero 12 fotos que disfruté como un enano. Aquí os dejó alguna, esperando repetir pronto, porque la cámara engancha y el medio formato también.

Se trata de un completo software de edición y grabación de audio, multipistas y con una extensa librería de sonidos predefinidos para crear canciones desde cero en un plis plas. También permite importar sonidos propios e incluso grabación directa e incorpora algunos conceptos más avanzados como automatización de parámetros y efectos de sonido. Al final de nuestro trabajo, podemos guardar todo nuestro proyecto o hacer una mezcla final del tema. Algo que no sorprende en una aplicación de audio normal, pero recordemos que se trata de una página web totalmente online, lo que significa que podemos acceder a ella desde cualquier ordenador con conexión.

Resultaría injusto comparar Myna con otras aplicaciones profesionales dedicadas a la edición de audio, pero desde luego es un experimento interesante y recomendable conocer.

Por cierto, he conocido Myna gracias al siempre interesante blog de Mijel dedicado al audio digital.

Te recomiendo probar la aplicación o, por lo menos, echar un ojo al video de presentación:

A veces, sólo a veces, la revista tiene algún contenido que no me gusta o no me convence, pero me he dado cuenta que, incluso lo que no me gusta, me gusta que esté ahí, por que es como un pellizco en la mejilla para despertar y mantener la mente abierta. Recuerdo uno de los primeros números en los que se presentaba la obra de un artista que hacía imágenes aleatorias por ordenador a partir de fotogramas de televisión (creo que era Brian Eno) y me pareció que no pegaba nada en una revista dedicada a la fotografía. También sentí algo parecido con las ciudades virtuales de Giacomo Costa. Pero al final, como se suele decir, toda piedra hace pared y hoy son obras que de algún modo han dejado poso en mi forma de ver el arte y la fotografía.

De este número destacaría sobre todo dos artistas, quizá por la proximidad a un proyecto en el que estoy trabajando. Por un lado, la obra de Veru Iché (o aquí), presentada en la sección C Action, es decir, fotógrafos becados por la revista. Su estética atemporal, artesanal y corrosiva unida a un contenido onírico hacen de estas imágenes un trabajo, en mi opinión, muy, muy bueno que conforma un lenguaje propio compartido en todas sus fotografías.

Por otra parte la obra Twelve Sunsets. Twentynine Dawns. All in One de Ugo Rondinone me ha llegado especialmente, quizá porque también en mi caso  las manos y ciertos juegos de texturas tienen un simbolismo y un significado especial.

En cuanto a fotografía documental, os recomiendo conocer a Dariusz Kantor y, casi con vergüenza, por reconocer que no conocía su obra, destacaría las fotografías de Jean-Paul Goude por el dominio del lenguaje publicitario. Antes de compararlo con cualquier otro conocido de hoy, no hay que olvidar que hablamos de los años ‘70. Y con un video de este artista os dejo esperando que, os guste o no, no os deje indiferentes!