Un amigo me demostró lo ingenuo que era: “No, hombre, esto funciona como las emisoras de radio, que reciben gratis los discos que se quieren promocionar. Siempre hay alguno que se cuela en las listas por méritos propios, y de los que llegan los hay mejores o peores, pero es una cuestión de distribución.”. Distribución: ferias, contactos, editores, mercado del arte. Ya.

¿Cuándo el libro de autor empezó a llamarse “fotolibro”? Quizá cuando pareció más cool traducir photobook como fotolibro que como Libro de fotografía de autor. El término es lo de menos, lo que no me gusta es lo que representa. Representa listas a lo “40 principales”, especulación, intereses de todo tipo y pérdida de criterio (al menos, del fotográfico).

Ahora creerás que soy más ingenuo de lo que demostraba al comienzo del texto. El mercado es el mercado, la oferta y la demanda, bla, bla, bla. Lo sé, he leído algo del tema. Pero cuando en las últimas semanas te encuentras cosas como las siguientes, no es para menos que echarse las manos a la cabeza:

Alec Soth, como tantos otros, publica su particular y personal lista de fotolibros preferidos de 2011. Gracias a él, descubro un libro interesante: A criminal investigation, de watabe. La misma noche que leía el artículo de Alec Soth este libro estaba disponible en todas las típicas librerías online, pero a la mañana siguiente no quedaba stock en ninguna de ellas y sólo una semana después el precio se multiplicaba por 3 en canales alternativos.

Paloma al Aire, de Ricardo Cases, aparece muy bien situado en todas las listas de foto-hits. Bravo por Ricardo, lo digo en serio. Me alegra un montón que un nombre español de mi generación tenga cojones a exportar cultura y, más aún, fotografía. Lo apoyo a muerte. Pero clama al cielo que su libro, que cuesta 22 € en el Doctor Nopo, se venda en Amazon USA por 220$ a coleccionistas, desde Minesota-tócateloshuevos. ¿Nos hemos vuelto locos? Un libro de 22€, de los que el autor recibirá probablemente una miseria, genera un beneficio equivalente a 10 veces su valor a un individuo anónimo en apenas unos meses.

Como contrapunto a estos datos, puedo contar que este año mi más preciada adquisición ha sido Somnambulist de Ralph Gibson, primera y única edición de 1970, agotadísima y buscadísima. El precio: 80€, mucho más de lo que nunca he pagado por un libro de fotografía. El agravio comparativo es inevitable.

La misma semana Fontcuberta destacaba en El País, el boom del fotolibro como soporte fotográfico, como objeto de colección y como objeto de inversión, con precios propios del mercado del arte. Me recordaba mucho a los artículos de finanzas de hace unos años (esos del tipo “Chicos, invertir en Terra que es un valor seguro.”), que, con aparente ingenuidad, demuestra las maravillas de un nuevo producto financiero apto para todos los públicos. Lo bueno, dentro de lo malo, que al menos se acuerda de nombrar merecidamente dos trabajos españoles en el pie del artículo, La caza del lobo congelado, de Ricardo Cases e Infinito, de David Jiménez, el libro que a muchos nos hubiera gustado parir.

La última lista que comentaré, porque podría seguir un buen rato, la de photoeye, anunciada a bombo y platillo en twitter y otros canales por aficionados y colectivos. Una lista elaborada a partir de las listas de otros individuos, 26 en total, expertos en la materia. De entre casi 150 libros y un jurado de 26 personas, con sólo 2 votos un libro puede colarse en la lista de “los mejores 21 libros del año” ¿Por qué 21? lo ignoro, pues otros libros con el mismo número de votos se han quedado fuera. Visto lo visto, no hace falta decir la influencia que ejercerá esta lista en las ventas de estos libros, en sus editores e inversores. El efecto social es inmediato, ya hay cientos de blogs que parafrasean las listas de otros.

Ante todo esto, desde mi humilde posición, sólo puedo pedir un poco de criterio. Porque, lo diré abiertamente, no todos los libros que aparecen son buenos libros de fotografía. Diferentes, quizá. Cuestión de opinión, puede ser. El efecto “moda” ha llegado para quedarse en los fotolibros, y por desgracia algunos carecen de lo más importante: que tengan buenas fotografías y que sean buenos para la fotografía, y no sólo para sus autores. Pero nadie lo reconocerá porque, quizá decirlo, mataría la gallina de los huevos de oro.

Los últimos dos meses he recopilado más de 150 fotografías antiguas de más de 40 vecinos diferentes de la Finca Roja, a los que he conocido muy de cerca y además he fotografiado, y no sé qué parte del trabajo he disfrutado más. Sin ninguna duda,realizar las fotografías me ha dado más quebraderos de cabeza, estrés y complicaciones, por supuesto injustificados, y que sólo se deben a las manías propias del fotógrafo, lo que al final pues hace que valores más el fruto de tu esfuerzo. Pero documentar cada retrato con fotografías antiguas de cada persona antes de fotografiarlos ha hecho que la experiencia fuera, de algún modo, más completa, hasta el punto de haberme dejado influir por muchas de ellas. Algunas de esas imágenes en blanco y negro, tan íntimas, cotidianas, con personas desconocidas y tomadas en una época en que la fotografía todavía creaba imágenes nuevas, me han calado muy hondo.

Hablar de las personas que he fotografiado me resultaría tremendamente fácil, ya que sólo podría decir cosas buenas. Creo que hay cierto optimismo en todo el trabajo. Hoy en día parece poco profesional hacer retratos de gente optimista, o sonriente, o con la mirada humilde y normal. Parece que el drama humano es la vía rápida para llegar a la fibra sensible del público en general, no es que me parezca mal, pero creo que no me equivoco al decir esto. Me alegra haber conseguido, creo, cierto tono o atmósfera protectora, optimista, a veces misteriosa, a veces tan normal. Me gustaría creer que ha sido en parte por influencia de esas fotos en blanco y negro que tanto me enganchan y, en parte, por que es la atmósfera que realmente me ha acompañado mientras trabajaba en la finca roja.

A punto de terminar el proyecto, estas son algunas de las fotos antiguas que más me han enganchado junto con algunas de las mías.

Pues en fotografía voy por el mismo camino, cuando creo que ya he aprendido y asimilado algo, en vez de centrarme en disfrutarlo y desarrollarlo, sigo con el más difícil todavía. Si no, cómo se explica lo que voy a explicar.

En los Retratos de la Finca Roja tengo que retratar a varios vecinos de este emblemático edificio de Valencia. Un encargo en el que tengo que conocer a un montón de gente de lo más interesante y además tengo su permiso y beneplácito para hacerles un retrato como yo quiera (dentro de unos límites lógicos). Y en vez de escoger un formato que ya conozca para disfrutar del camino y olvidarme de la parte técnica, me digo a mi mismo ché! ¿que no lo haría en 6 x 4.5?. Sin haberlo probado nunca antes, claro.

Así que un buen amigo me deja una super cámara: Contax 645 con respaldo digital. Toma ya. La noche anterior a la primera sesión. Habrás pensado lo mismo que yo: una cámara es una cámara, no es para tanto. Pero estaréis conmigo en que cuando dominas un equipo, tanto que se convierte en una extensión de tu cabeza, las cosas van mucho mejor. Conclusión: ¡Niños, no hagáis esto en casa!

A ver, la cosa no fue mal: exposición correcta, etc etc… pero no era la foto que esperaba. Es difícil de explicar, las primeras fotos que haces para un proyecto, y siendo consciente de ello, de algún modo determinan el resto del proyecto o lo frustran si no salen como quieres. Por tanto, las primeras fotos no son el mejor momento para experimentar y aprender… ¿o sí?

Es falso eso que dicen que la cámara da igual, pensad lo que queráis, pero no se hacen las mismas fotos con una 35 mm que con una 6×6 TLR. No se hacen las mismas fotos con una cámara de bolsillo que con una contax de casi 3 kilos. Incluso, no se hacen las mismas fotos con una cámara con visor desde la cintura que con visor de prisma.¿problema de personalidad o está justificado?

Como decía, no salió como esperaba, lo cual no significa que saliera mal. Cuando eres consciente de que estás haciendo la primera foto de un proyecto, esa primera foto es increíblemente liberadora. Un click y empiezas a andar, los prejuicios e ideas preconcebidas empiezan a desaparecer. Los muchos vicios que han intoxicado tu cabeza durante la fase de preparación se caen y te sientes tan ligero… Lo que tienes delante es una persona de verdad, de carne y hueso, no es de papel ni digital, como las que has visto los últimos días cuando te documentabas y no ha pasado ningún filtro de photoshop. Y esa persona no tiene ni idea, pero por dentro estás eufórico e hiper-mega-super concentrado porque sin duda significa mucho más para tí que para el retratado aunque guardas las apariencias, para no contagiar los nervios a nadie.

No salió como esperaba. A pesar de todas las buenas intenciones e ideas preconcebidas que llevaba, ha salido algo distinto a como lo había imaginado. Y, sin embargo, es justo lo que quería, lo que el proyecto necesita, aunque, para ser sincero, aún no lo sabía. Lo malo de experimentar en la primera vez es que cuando consigues algo no sabes porqué ha sido ¿es por la forma de trabajar con la cámara o es que mi subconsciente lo tenía más claro de lo que yo pensaba? No sabría responder con seguridad, pero me gusta pensar que, sólo por eso, por dar la oportunidad a que eso ocurra, merece la pena escoger el camino difícil.

Así que hace un tiempo empecé a llevarme la cámara, como válvula de escape cuando las neuronas se me empiezan a freír. La terapia funciona y durante unos minutos veo la escena desde fuera. Me veo a mí mismo haciendo blablabla blablabla, me río un poco y puedo continuar. Por eso a esta serie la he llamado, cariñosamente, los comebolas.

Todavía hoy, cuando conozco gente y se me ocurre decir que soy de Benidorm, muchos me hacen preguntas (para mí absurdas) sobre si en Benidorm vive gente, cómo se vive, etc. Una vez me preguntaron si vivíamos juntos, con los turistas, en la misma ciudad, o había alguna especie de gueto para residentes. Nunca me ha molestado, supongo que no es el tipo de preguntas que le hacen a todo el mundo, pero al final uno termina por preguntarse qué imagen tiene la gente de fuera, la que no lo conoce o sólo ha estado unos días de paso, de vacaciones.

Ya hace años que no vivo en Benidorm, pero voy a menudo por los lazos que me unen allí. Desde hace 2 ó 3 años me planteaba realizar un proyecto fotográfico sobre esta ciudad y otras de alrededor como Altea o Alfaç, dando mi visión subjetiva y personal. El primero proyecto resultante de esta idea se llama “En busca del paraíso” y es más que un trabajo sobre estos lugares, es el medio que utilizo para expresar ese ideal de “paraíso”, no como un lugar en la tierra, si no como un estado emocional o mental.

Os dejo la descripción del proycto y en enlace a la web:

Desde los años ‘60, miles de personas han emigrado a Benidorm en busca una nueva vida y oportunidades. En su búsqueda, han sido parte activa de la creación de la ciudad y los municipios colindantes. El pequeño pueblo de pescadores crecía de 6.000 a 70.000 habitantes en apenas 50 años, con capacidad para otros tantos visitantes. El ir y venir de turistas es ajeno a los anhelos y vidas de quienes lo habitan mientras, lejos de las razones que les trajeron hasta aquí, crecen, construyen su mundo y conviven con el choque cultural inevitable de una ciudad nueva que vive para servir a quienes la visitan.

El paraíso no es un lugar, si no un estado. La búsqueda del paraíso es la búsqueda de la felicidad. Este trabajo es un homenaje a estos lugares, a menudo ignorados, que son, y serán, las raíces de muchos y a las personas que han participado en ellos.

www.proyectoparaiso.com

Después, el tedioso trabajo del escaneo se carga toda la magia del momento. Aún así, merece la pena, porque por fin veo las fotos en la pantalla y en positivo, aunque en mi cabeza las tuviera desde antes incluso de hacerlas.

No sé decir con exactitud sobre qué ha tratado el taller. No es un taller para aprender a hacer fotos, ni sobre historia de la fotografía, aunque he aprendido cosas en ambos sentidos. El título del taller, “La Visión Fotográfica”, puede hacer pensar que uno va a salir con una especie de poder especial para hacer super-fotos o algo así o, peor aún, podría inducir a pensar que descubriremos lo que es esa Visión, la única y verdadera, como si existiera tal cosa.

Pero el estilo y ritmo de Eduardo es mucho más sencillo, tranquilo y mundano que cualquier poder extraordinario que uno se pueda  imaginar. Y es que la cuestión que plantea es tan simple y directa que acongoja: ¿Porqué hacemos fotografías?

Como ocurre en muchas ocasiones, no es tan importante la respuesta como el proceso mental que implica contestarla, proceso por el que Eduardo nos guía de manera amable pero sin concesiones, así que nadie debe esperar encontrar en este texto la respuesta definitiva.

Es posible que cada uno hayamos salido del taller con una respuesta a esta pregunta, o incluso varias, pero sin duda hay una que prevalece. Y es que, lo que importa de verdad, es hacer buenas fotografías. Sorprender al mundo haciendo las mejores fotografías que seamos capaces, sin interferencias ni “cantos de sirenas”.

Cuando alguien asegura que lo importante no es conseguir becas, ni publicar libros, ni exponer en galerías, que todo eso llegará si tiene que llegar, te das cuenta que realmente se trata de una persona comprometida con la fotografía, preocupada porque en un mundo absolutamente infestado de creadores de imágenes haya cada día mejores fotografías. A mí me ha transmitido esa visión del mundo de la fotografía y esa especie de paz interior para hacer fotos a mi manera, sin interferencias, quizá sea a eso a lo que se refieren con la visión fotográfica. Y de todo lo bueno que puedo decir del taller, que es mucho, es lo que más me importa.

Eduardo ha publicado un libro muy recomendable llamado “La visión fotográfica“ que puede comprarse en su web .

La primera fotografía que me encuentro es una anónima de 1890 de la caída de un caballo. Difícil de describir, pero muy interesante… después Kertész, Cartier-Bresson, Brassaï, Atget… ¿me dejo algún clásico? Por supuesto, no podía faltar la consabida sección de besos y cafés parisinos, incluido el de Robert Doisneau, pero pronto terminan y la lista continua: Bernard Plossu, Lartigue, Boubat, Koudelka…

Hacerse con una pequeña muestra fotográfica de los clásicos por 10 euretes siempre es un alegrón, es un buen libro que recomiendo, a pesar de que la editorial no haya resistido la tentación de ponerle un título tan recurrente. Y no es que tenga nada contra el romanticismo, sino cómo se explica que esta mañana le haya mandado un ramo de flores a mi novia para celebrar que es viernes (aunque se las haya enviado en foto y por facebook).

Eso fue en septiembre y poco después pasaba de la goma bicromatada a los haluros de plata, con el fin de revelar imágenes digitales en papel fotográfico blanco y negro en el cuarto oscuro.

Por si aún tienes dudas de lo que estoy haciendo, resumiré en qué consiste la técnica: estoy positivando imágenes digitales sobre papel “químico” fotográfico y revelando el papel en el cuarto oscuro, como se haría con un negativo normal. Para ello, coloco el papel fotográfico sobre la pantalla del ordenador (en la que tenemos la imagen en negativo que queremos positivar) y después se procesa el papel de forma normal, con los baños de revelado, paro, fijador y aclarado.

El tema no es trivial en absoluto, ya que con las gomas los tiempos de exposición eran de varios minutos, pero el papel de clorobromuro de plata requiere apenas unos segundos. Así que ¿cómo controlar la imagen en pantalla con precisión?

Entre octubre y noviembre de 2009 empecé a trabajar en un programa que me permitía controlar el tiempo de exposición de la imagen, programa que he llamado DigiLab. Lo que empezó siendo un simple cronómetro que controlaba la imagen en pantalla se ha convertido en un completo asistente para el laboratorio. Permite crear tiras de prueba, trabajar con papeles de contraste variable (mediante filtros de colores), invertir la imagen y editar parámetros básicos como brillo, contraste, color, tamaño, etc. Ah, y es multiplataforma, compatible con PC, Mac y Linux.

El positivado lo estoy realizando por contacto con la pantalla. Eso limita el tamaño del papel (que nunca podrá ser mayor que el monitor), pero con un monitor de 21″ puedo hacer copias en 24 x 30 cm. lo cual es suficiente para mí (y para muchos aficionados).

Me quedan muchos ajustes que hacer y mucho que aprender, y es que nunca antes había revelado, así que voy  aprendiendo los secretos del positivado a la vez que desarrollo la técnica y el programa Digilab. Y es que a todos los parámetros que afectan en la creación de una buena copia, hay que incluir todos los parámetros nuevos (y no documentados) que dependen del monitor o el proyector: brillo, contraste, gamma, balance de blancos…

Entre mis objetivos a futuro, probar la técnica con un proyector digital, perfeccionar el revelado en blanco y negro, desarrollar una guía para iniciarse y experimentar con el procesado en color que, por difícil que sea, es lo que más me apetece.

Pero, sobre todo, me gustaría crear una comunidad on-line dedicada al Positivado por Transferencia. La idea es publicar Digilab como software gratuito, crear una base de documentación oficial en español e inglés y difundir la técnica lo más posible, incluso a través de talleres. También necesito conseguir algún tipo de soporte o patrocinio para costear el material necesario para experimentar: papel, líquidos y material de laboratorio de todo tipo, para lo cual espero contar con el apoyo de alguna marca. Pero, con más o menos recursos, esto saldrá adelante.

Tardaré algunos meses en poner todo en marcha, sobre todo porque mi “tiempo libre” es limitado, pero llegará, así que no dejéis de enviarme ideas, sugerencias y comentarios ¡Serán bienvenidos!

Os dejo unas fotos de la última sesión de revelado en el baño de casa. Como véis, tengo un portátil con el que controlo Digilab y una 2ª pantalla externa (apoyada en la mesa) que es la que uso para positivar el papel. La primera foto es una captura del programa Digilab. El resto de fotos muestran un poco de todo, como veis, se pueden positivar fotos normales o fotomontajes digitales… al papel le da igual lo que le pongas!  Y eso es lo que me encanta.

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Este microscopio sirve para ampliar superficies reflectantes (como metales). Lo más interesante es que tiene una ranura para acoplar una preciosa cámara Zorki de 35 mm, incluida con el equipo. Antes de probar con película, sin estar muy seguros de lo que saldría, pusimos el cuerpo de una DSLR sin objetivo, a ver qué pasaba… y voilá! la imagen apareció a la primera. Por desgracia, el acople no era perfecto, por lo que el enfoque era difícil de ajustar.

Sólo fueron unas pruebas, pero las imágenes me encantan. Utilizamos una moneda, un trozo de plástico y alguna cosa más que teníamos a mano, y las texturas y colores son de lo más interesantes. Estoy deseando volver a probar!

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Las fotos no llegan ni a la suela de las que hay en algunas páginas, como la de Nikon Small World, dedicadas a este tema. Pero la exploración de ese mundo microscópico que nos rodea, aunque no lo veamos, siempre es una gozada y supone en sí mismo toda una experiencia recomendable.

Issuu es un kiosko on-line en el que cualquiera puede tener su propia publicación sin gastarse un pastón en el papel. Será tontería o será fetichismo, pero los documentos en Issuu son más atractivos, quizá por ese brillo tipo glossy paper o por la vista en doble página.

En cualquier caso, es un lugar increíble para perderse navegando en sus contenidos. Os dejo algunos de mis descubrimientos de temática fotográfica:

Fotografía documental o similar:

Piel de foto #3. El proyecto Piel de Foto (ver su web) es, en cualquier caso, de obligado conocimiento.

72 frames

la mirada del otro

extravagantes photo (mi preferido, todas sus publicaciones son una gozada)

libro clima

silentnoise

the_eastern_front_in_photographs

Editorial moda, diseño y magazines:

kinkimag

3tree

thesizeissue

fused35

chaos

sharemag 02

Si te quedas con ganas de más, también puedes navegar por esta selección de 40 revistas digitales dedicadas a la fotografía. No tienen nada que ver con Issuu, pero también son para perderse un rato.

Es la primera vez que mostraré los resultados de mi experimentación con el Positivado por transferencia de píxeles. Toda la obra se ha realizado en formato digital y positivada en papel baritado mediante revelado químico “tradicional” en blanco y negro (en esta ocasión he prescindido de la goma bicromatada por falta de tiempo). Los que tengáis interés en ver los resultados, puede ser una buena ocasión si estáis por Valencia.

La exposición se encuentra en el edificio de la Vakeri, en la C/ las monjas, Valencia (la única calle perpendicular a Bolsería):

En el marco del festival se celebran muchas otras actividades muy recomendables que no os podéis perder. Además, el domingo a las 19:00 se celebrará el acto de clausura en la Vakeri, así que espero veros por allí!

Estamos acostumbrados a clasificar la fotografía por el contenido que representan, es decir, de forma descriptiva. Algunos de los tipos de fotografía más comunes que solemos identificar* son retrato, paisaje, narrativa, objeto, moda, documento, ciudad, etc. Es una clasificación que podríamos llamar “vertical”, por la especialización de cada área y la relativa facilidad con que podríamos diferenciar unas de otras por simple observación.

No obstante, ocurre que ciertos trabajos no se clasifican con facilidad en este orden. Especialmente los fotógrafos, es decir, los autores, a menudo se sienten presionados por editar sus trabajos manteniendo esta verticalidad, cuando es posible que elementos de distintas especialidades tengan elementos comunes, lo que puede conllevar cierta frustración o encadenamiento por dar coherencia a nuestro trabajo.

Personalmente, me ayudó mucho conocer una clasificación alternativa** que no trata de clasificar el contenido de la fotografía, como si tan sólo fuera un objeto, si no que analiza la percepción con que esa imagen se ha obtenido. De algún modo, y esto es una interpretación personal, se pasa del análisis de la obra al análisis de la intención y de la percepción. Entendido y asimilado esto, creo que es una herramienta que puede ayudar al desarrollo personal del autor y de su obra, permitiendo moverse libremente de forma “horizontal” de una especialidad a otra, pero manteniendo la misma intención o percepción.

Esta clasificación, de forma resumida, identifica los siguientes tipos de fotografía:

1. Fotografía de imaginación, en la que se reinterpreta la realidad para darle un nuevo sentido sólo posible a través de la fotografía.
2. Fotografía de emociones, que cubriría la expresión humana en el más amplio sentido.
3. Fotografía de la memoria, que entiende las percepciones, impresiones y experiencias acumuladas.
4. Fotografía de asociación, la cual pretende recrear patrones asociativos en el observador.
5. Fotografía de sensaciones, que se refiere a los cinco sentidos de la percepción humana.

Que me perdone el autor por tan parco resumen, sin duda recomiendo el texto original para profundizar más en cada concepto. El planteamiento me gusta porque es absolutamente abstracto y muy flexible, amplía las posibilidades de cualquier proyecto en vez de limitarlas y, como ejercicio, reto al autor a clasificar algún trabajo personal o conocido de otro autor, cuanto más inclasificable mejor.

Dicho esto, insto a todo el que tenga una cámara a mano, que se deje de clasificaciones y salga a la calle (o donde mejor le venga) a fotografiar.

Esa ilusión es la que me llevó a visitar su exposición de Desnudos en la librería Railowsky, innaugurada unos días atrás. A la entrada, un pequeño recorte de prensa anunciaba su muerte. Incrédulo, casi idiotizado, corroboraba con el dependiente la veracidad de la noticia, por la necesidad de compartir el disgusto con alguien o por terminar de digerir el trago.

Terminé de ver la exposición con una extraña sensación, sabiendo que el autor de esas fotos acababa de fallecer y aún con el golpe de la noticia en mi cabeza. Me resultaba difícil interpretar el mensaje de cada foto sin el mensaje ímplicito de la Muerte en la cabeza. Seguramente, cualquier otro tipo de fotografía me habría resultado más fácil de digerir. Pero el desnudo es diferente. El desnudo, con toda su belleza, es el estado natural del ser humano, lo que incluye la vida y la muerte. No paraba de darle vueltas a las reflexiones de Roland Barthes sobre la Muerte y la fotografía. Pero sus reflexiones se limitaban al sujeto fotografiado, a la modelo, que sin duda fue en algún momento lo que cada una de esas fotos corrobora e, inevitablemente, algún día alcanzará lo que a todos nos depara la naturaleza. Pero en este caso la muerte tomaba su protagonismo fuera de cada foto y yo, como espectador, no podía evitar pensar en el fotógrafo, ahora ausente.

No era la primera ni será la última vez que observe imágenes de un fotógrafo fallecido. La Muerte es una constante en la fotografía, como lo es en la vida misma, pero gracias a Koldo ha adquirido para mí una nueva dimensión. Y es que hay grandes personas que hasta con su marcha nos enseñan. Adiós y gracias, Maestro.

Por supuesto, absolutamente manual: enfoque a pelo y sin fotómetro. Para medir la exposición utilizaba el fotómetro de una cámara digital (o al menos, para tener una primera lectura). Encuadrar es una locura, para la foto de la iglesia estuve 3 ó 4 minutos hasta conseguir unas líneas más o menos rectas y centradas (y sin tener en cuenta el error de paralelaje entre el visor y el objetivo), por que la imagen del visor se ve reflejada, como en espejo.

Desgraciadamente, por falta de experiencia, de tiempo o por pura inutilidad mía, no supe cambiar el primer carrete, así que tan sólo hice 12 tomas… Más de uno se reirá, pero la cámara era rara de cojones y la cuestión no era cómo cambiar el carrete, si no cómo hacerlo sin perder las fotos que había dentro. Reíros, reíros, pero me llevó lo suyo…!

En fin, 12 fotos de cabras, paisajes de Asturias, de mi novia y algún lugar perdido, pero 12 fotos que disfruté como un enano. Aquí os dejó alguna, esperando repetir pronto, porque la cámara engancha y el medio formato también.

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A veces, sólo a veces, la revista tiene algún contenido que no me gusta o no me convence, pero me he dado cuenta que, incluso lo que no me gusta, me gusta que esté ahí, por que es como un pellizco en la mejilla para despertar y mantener la mente abierta. Recuerdo uno de los primeros números en los que se presentaba la obra de un artista que hacía imágenes aleatorias por ordenador a partir de fotogramas de televisión (creo que era Brian Eno) y me pareció que no pegaba nada en una revista dedicada a la fotografía. También sentí algo parecido con las ciudades virtuales de Giacomo Costa. Pero al final, como se suele decir, toda piedra hace pared y hoy son obras que de algún modo han dejado poso en mi forma de ver el arte y la fotografía.

De este número destacaría sobre todo dos artistas, quizá por la proximidad a un proyecto en el que estoy trabajando. Por un lado, la obra de Veru Iché (o aquí), presentada en la sección C Action, es decir, fotógrafos becados por la revista. Su estética atemporal, artesanal y corrosiva unida a un contenido onírico hacen de estas imágenes un trabajo, en mi opinión, muy, muy bueno que conforma un lenguaje propio compartido en todas sus fotografías.

Por otra parte la obra Twelve Sunsets. Twentynine Dawns. All in One de Ugo Rondinone me ha llegado especialmente, quizá porque también en mi caso  las manos y ciertos juegos de texturas tienen un simbolismo y un significado especial.

En cuanto a fotografía documental, os recomiendo conocer a Dariusz Kantor y, casi con vergüenza, por reconocer que no conocía su obra, destacaría las fotografías de Jean-Paul Goude por el dominio del lenguaje publicitario. Antes de compararlo con cualquier otro conocido de hoy, no hay que olvidar que hablamos de los años ’70. Y con un video de este artista os dejo esperando que, os guste o no, no os deje indiferentes!

Esta técnica tiene tanto de magia como de ciencia. Estoy seguro que la ciencia es lo que más interesará a los que quieren empezar a aplicarla cuanto antes. Sin embargo, te recomiendo que dediques unos minutos a conocer por qué esta técnica es especial (al menos para mí) y por qué me decido a investigarla.

La idea

Tan simple, que en más de una ocasión me han mirado como a un loco por contarla: colocar una hoja de papel fotográfico (foto-sensible) sobre la pantalla del monitor, haciendo contacto contra ésta, de modo que la luz del monitor sea la que revele en papel.

Los píxeles iluminan la emulsión fotosensible realizando el positivado, es como si se transfirieran de un soporte a otro. Por eso he llamado a esta técnica Positivado por transferencia de píxeles.

Antecedentes

Empecé a desarrollar esta técnica por tres motivos. Primero, porque quería “tocar” en sentido literal la obra que estaba creando. Actualmente mi proceso de trabajo es 100% digital y necesitaba un elemento que uniera la flexibilidad tecnológica con la autenticidad de un trabajo artesanal y manual, algo que tocar y crear con mis propias manos sin depender de un laboratorio de revelado.

Por otro lado, deseaba poder crear copias únicas, algo casi imposible cuando se trabaja en digital (incluso en analógico en muchos casos). Una imagen digital puede copiarse virtualmente hasta el infinito, y nada diferenciará la copia del original. Las copias de laboratorio tampoco marcan la diferencia (si pido 20 copias al laboratorio serán exactamente iguales).

Finalmente, rechazaba cualquier solución que pasara por la impresión de acetatos transparentes para crear grandes negativos con los que hacer la copia. Esto no encaja en mi procedimiento de trabajo, me parece un engorro y un gasto innecesario.

Con este método cumplo mis expectativas. Yo personalmente preparo el papel fotográfico y la emulsión que lo hace sensible a la luz, pero a la vez trabajo con un sistema 100% digital que me permite pasar la imagen de la pantalla al papel sin acetatos, impresoras ni otros intermediarios. He conseguido unir el mundo analógico y el digital para crear una obra única y la satisfacción que proporciona cada copia es indescriptible.

Con estos antecedentes, debes saber que no pretendo crear copias perfectas, abaratar costes, trabajar más rápido ni mejorar el papel baritado. Pero sí te aseguro que podrás crear copias únicas y, ojalá, habré conseguido abrir un nuevo campo de investigación para frikis que les guste estos temas (como un servidor)

Finalmente, por suerte o por desgracia, debes saber que mi experiencia con químicos de laboratorio es absolutamente nula. Jamás he estado en un cuarto oscuro (más que de visita). Quizá por eso este mundo me parece cada vez más apasionante.

La técnica. Positivado por Transferencia de Píxeles.

Para ser precisos, más que una técnica es un procedimiento de trabajo, ya que mi aportación no contiene elementos nuevos o desconocidos, simplemente los combino de forma distinta.

Consta de tres elementos:

1. La pantalla, que hace de emisor de luz y de negativo a la vez. Debe ser una pantalla plana.
2. Una emulsión o sustancia sensible a la luz.
3. Un soporte físico sobre la que colocaremos la emulsión, normalmente un papel o una tela.

Cada elemento es determinante en el proceso y en el resultado final, pero el más determinante sin duda es la emulsión fotográfica. En mi caso, he experimentado con la goma bicromatada. Esta emulsión tiene varias ventajas para el principiante: te la puedes hacer tú mismo en la cocina, es muy fácil de hacer  (más fácil que hacer empanadillas), no requiere trabajar en oscuridad ni con luz de seguridad (se prepara con luz natural), no requiere revelador (se lava con agua) y permite la mezcla con pigmentos para obtener variaciones de color en la copia.

En un futuro, quiero probar otras emulsiones, desde el papel salado hasta emulsiones comerciales ya preparadas, pero de momento la goma me da un amplio margen de experimentación (si el tema tiene éxito, hablaré más de esto en otros artículos).

El procedimiento es muy sencillo. Preparamos la imagen en la pantalla del ordenador para que ocupe justo el tamaño del papel fotográfico. Para positivar la imagen, debemos invertirla (el negro a blanco y viceversa) y transformarla en espejo, ya que se pasará invertida al papel. Colocamos el papel sobre la pantalla y algo que presione el papel para que no tenga arrugas. Lo dejamos el tiempo que sea necesario, según la emulsión y la potencia del monitor. Por arte de magia, los píxeles se transfieren al papel, creando una imagen ya visible incluso antes de lavarla con agua (en el caso de la goma bricomatada).

Mi experiencia: hago copias directamente en el televisor, esto me permite hacer copias casi en tamaño A2. Con la goma bicromatada, los tiempos de exposición son de 30 a 60 minutos (ahí es ná).

Las pantallas TFT despiden calor por delante, al contrario que las pantallas de tubo. La pantalla debe estar bien ventilada para que no se caliente en exceso. Al tapar la parte delantera con el papel y el soporte que hace de prensa, es necesario ayudarla a refrigerar. En mi caso, le pongo un ventilador por detrás durante el proceso. Por experiencia: da mucho yuyu quitar el papel y ver que tu flamante pantalla de 40″ tiene un círculo negro de 20 cm en el medio. Por suerte, todo quedó en un susto y con el ventilador no me ha vuelto a pasar.

El papel hay que prepararlo 24 horas antes, ya que debe estar seco cuando se aplique. Como decía, no es un sistema rápido, pero lo que se pretende es precisamente disfrutar del proceso de creación.

El resultado

Algo único e irrepetible. La goma bicromatada es una técnica del siglo XIX y el resultado estéticamente es precisamente de esa época, una mezcla de foto y grabado atemporal. El procesado digital permite controlar todos los niveles de la imagen, especialmente los intermedios, que es una de las grandes ventajas de este sistema y con un buen papel el resultado es mágico.

El futuro

Por lo que a mí respecta, seguir disfrutando de esta técnica. Seguir aprendiendo los muchos matices que se pueden conseguir al preparar tú mismo el papel y al lavarlo (la calidad y variedad de texturas es infinita), y controlar la mezcla de pigmentos, que no es fácil.

Por último, experimentar con otras emulsiones fotográficas y otro tipo de emisores digitales, como los proyectores y compartir toda esta experiencia con vosotros (espero que alguien haya llegado hasta el final del texto…).

Aguantando la respiración, y casi de puntillas, te llevas el libro hasta la caja. No será un error, ¿no? Sin decir nada, el chico de la caja me comenta “el de Woodman, el precio es increíble…“. Pues sí que lo es, yo me lo llevo corriendo, por si acaso.

Se trata de un libro editado por la Región de Murcia con motivo de la exposición Retrospectiva de Francesca Woodman en el espacio AV de Murcia (el cual desconozco por completo). Si no contiene su obra completa, desde luego se trata de un trabajo muy bien realizado, desde su edición hasta la selección de las obras, desde sus primeros trabajos (con 13 años…) hasta sus últimos días.

Francesca Woodman cambió mi percepción de la fotografía, quizá tanto como Tom Waits lo hizo con la música. Y es que con sólo 15 años Woodman había expresado en sus fotografías más de lo que muchos podríamos ni llegar a soñar.

El libro se puede robar por sólo 20€ en (por ejemplo) la casa del libro.

Este artículo de Jeff Wall, recomendable en cualquier caso, termina con una buena frase para meditar: “El líquido nos estudia, incluso desde una gran distancia”. Y es que el líquido, con sus movimientos y formas infinitesimales, supone un reto para el observador hasta el punto de no saber quién observa a quién (expermentar con el experimentador, o el cazador cazado).

Esta dialéctica me ha inspirado a jugar con ambos elementos, agua y cristal, como si de uno sólo se tratara, dejando que cada vez uno predomine sobre otro, sin un claro vencedor.

Puedes ver las fotos a mayor tamaño aquí.

En un principio, Hello360 no prentendía ser más que un visor de panorámicas 360º. Pero la cosa se fue mezclando con otros ingredientes que teníamos en la cocina y al final nos ha salido un pedazo de cocido que no veas… Resumiendo, Hello360 es un sistema para crear guías de viaje para la web. Un sistema para crear guías como las de Lonely Planet, pero on-line, que complementa nuestro trabajo y nuestra oferta de fotografía turística.

La piedra angular de todo el proyecto ha sido la tecnología Flex de Adobe. Lo más increíble es que hace dos meses no sabía ni que existía, y no exagero. Con unos conocimientos básicos de Flash y algo más profundos de otros lenguajes de programación, me embarqué en esta historia.

[modo friki on]

Flex es una mezcla de Flash, Action Script, Programación Orientada a Objetos y, alucina vecina, Open Source. Incluye un buen puñado de componentes de serie, lo que permite desarrollar aplicaciones para la web de manera relativamente rápida, tal como adelantaba en el artículo de Sumo Paint. Y encima Google Maps dispone de un kit de desarrollo para implementar sus mapas en una aplicación Flex, que era justo lo que necesitaba.

Hello360 incluirá un montón de juguetitos y palabrejas como tags, perma-links, rss, estadísticas y comportamiento de uso (mouse-traking), filosofía 2.0 para que la gente pueda opinar y compartir, etc, etc. Incluye galerías de fotos, video, documentos y visitas virtuales de 360º. Su arquitectura cliente-servidor permite, además, construir interfaces multi-idioma y multi-dispositivo. Es decir, será posible acceder a toda la información desde, por ejemplo, un teléfono móvil en cualquier idioma.

[modo friki off]

Pero lo mejor de todo son las fotos y las visitas virtuales que se han currado Álvaro y Vicente que encontraréis en la demo y que no os podéis perder.

Carlos Irijalbo: iluminación artificial de bosques.

Adam Fuss: Abstracción, gotas de agua en BN* dibujando formas como sonidos.

Jay Heikes: Espantapájaros en BN tintado en rojo. Tétrico, oscuro, misterioso.

Zhang Huan: Chino, curioso.

Michel Janiszewski. Estilo documental. Loco. Potente. Muy interesante.

Maggie Cardelús: Técnica interesante (nota: colage formado por la misma fotografía con distintas exposiciones de luz y recortada en tiras).

Gonzalo Lebrija: Fascinante

Li wei. Más arte chino. Sorprendente!. (nota: de este y algún otro estoy preparando un artículo sobre fotógrafos de China que terminaré pronto).

Gilbert García: Surrealista. BN. Mola!

Josef Hoflehner. Muy buen BN. Interesante.

Zhu Ming: No hay duda, China arrasa! Surrealista, choque cultural.

Josef Schulz: Geometría, color, composición

Hong Hao, Ma Liuming: China power!

Silvia Plachy: Nueva York, años 60, investigar.

Paola de Grenet: Retrato y tipologías, interesante.

Denis Darzacq: Mágico y convencional (a la vez)

Sandra Kantanen: Técnica interesante. Pintura + fotografía.

Liu bolin. Simbología, retrato y técnica. Interesante (+ China)

Manel Armengol: BN en gran formato. Atrapa.

Dionisio González. Panorámicas con arquitectura y fotomontaje. Visto en algún número de C Mag. 16.500 €!!!

*BN: Blanco y Negro.

Además de todos estos, la exposición contaba con fotografías de otros muchos que siempre es un placer contemplar y que mejoran al natural (especialmente los grandes formatos), como Giacomo Costa, Olivo Barbieri, Francesca Woodman (una de mis preferidas) o Erwin Olaf.

Espero que la feria haya tenido el éxito esperado por los organizadores para que el proyecto crezca y salga adelante, porque para mí ya se ha convertido en visita obligada.

(Nota: los comentarios están hechos a partir de una fotografía o una serie de fotografías del autor, en absoluto pretendo extrapolar estos comentarios a todo su trabajo, ni si quiera juzgar esas fotografías).

Llegar a los 30… pues oye, sólo se llega una vez en la vida (y los 31, y los 32…). Pero mira, hoy me he levantado decidido a hacer algo diferente, y algo fotográfico, de paso.

Son muchos los fotógrafos que han basado su obra en documentar sus vidas y las de sus familiares durante años. Una obra que tiene valor vista en conjunto y que admiro por la dedicación y paciencia que requiere. Pero, ¿qué ocurre cuando es la vida misma la que nos documenta?

Fotografías para el dni, el pasaporte, el carnet del instituto… nuestro estilo de vida nos obliga a documentarnos – en todos los sentidos de la palabra -, incluso fotográficamente. Son meras fotografías, realizadas de forma mecánica por un fotomatón, en momentos de poca o ninguna trascendencia. Su total carencia de intencionalidad artística las hace anodinas y diferentes. No son fotos para recordar, no son más que un puro trámite, quizá por eso, ni si quiera posamos como solemos hacer al ser retratados. Simplemente, permanecemos quietos. Fotos que nos acompañan por un breve periodo de nuestras vidas hasta que son actualizadas y reemplazadas.

A poco coleccionista que sea uno, no es difícil que te encuentres con un buen puñado de estas imágenes. De pronto, esas meras fotografías, en conjunto, cobran vida propia. Ordenadas cronológicamente, son capaces de crear un contexto temporal, un diálogo entre ellas, aunque sea un contexto incompleto. Se han convertido en Obra fotográfica. Quizá no una Obra para colgar en alguna galería, pero me daré el gustillo de colgarla en mi propia web.

Algunas fotos me transportan a momentos concretos de mi vida. En otras a penas me reconozco. Muchas no me gustan. Y otras muchas no están, por que ya no las tengo. Pero en todas soy – ¿o era? - yo.

Me pregunto, por curiosidad, cuál será mi actitud la próxima vez que tenga que pasar por un fotomatón ¿me preocuparé de salir bien para mi próximo artículo a los 40?

Con numerosas influencias directas de fotógrafos como Andreas Gursky, Olivio Barbieri, Vincent Laforet,  o Giacomo Costa, entre otros, son una visión subjetiva de cómo diseñamos, empleamos y nos relacionamos en un entorno artificial creado por y para el hombre y cómo éste entorno se convierte a menudo en un personaje más de la fotografía.

A continuación puedes verlas a baja resolución, aunque te recomiendo visitar la Galería Cities para verlas a mayor tamaño.

Pero, en este caso, lo interesante no es el motivo en sí mismo, si no su contexto. Por ahí he leído que esto del contexto es bastante importante a la hora de analizar una obra, de cualquier tipo. Así que ahí van las fotos y continuo.

Sin saber nada de las fotos ni de libélulas, si tuviéramos que sacar alguna conclusión con la información que nos ofrece cada foto, podríamos asegurar que la primera está tomada al aire libre, en algún lugar con acceso al hombre, ya que es evidente que el palo se ha cortado de forma artificial, pero no deja de ser un vulgar palo, quizá en algún entorno rural.

La segunda parece claro que está hecha en plena naturaleza, a la luz del sol, en lo que podríamos considerar su entorno natural.

De la tercera también podemos decir que está hecha al aire libre, el fondo verde induce a pensar que es un lugar con vegetación, pero sin duda el metal de la valla es la que más define el entorno, quizá un entorno urbano o, al menos, intervenido por el hombre.

Pensarás, con razón, qué poca gracia tiene que yo haga este análisis si yo mismo hice las fotos. Y así es. Y, aunque debo decir que no hay intencionalidad en las fotos (es decir, no se buscaba el simbolismo de la valla, el palo o la planta en el momento de hacer la foto), lo curioso es que, si extrapolamos este análisis básico a la realidad de cada lugar, encuentro muchas analogías con los estereotipos de cada uno de estos lugares y su cultura. He aquí la explicación de cada foto:

La primera de ellas, con la libélula sobre un palo de madera, está hecha en 2007 en LongJing (China). LongJing es uno de los principales y más famosos centros productores de la planta de té en China, eminentemente agrario.

La segunda está tomada en Navajas (Castellón, España) en Julio de 2008 en un lugar conocido como el salto de la novia, un lugar natural en el interior, bastante agradable para bañarse en verano.

La tercera y última está hecha en el Central Park de Nueva York, en agosto de 2008, sobre una de las vallas que cierra los campos de beisbol que hay en el parque.

Al mirar de nuevo las fotografías, conociendo el contexto que las rodea, seguramente no volvamos a leerlas igual. Inevitablemente, las relacionamos a la cultura que las rodea, impregnadas de una tremenda carga de simbolismo. Y aunque la lectura ha cambiado, seguirá estando definida por los prejuicios (negativos o positivos) que el espectador tenga por cada una de estas culturas, (lo que, por suerte, hace que cada obra sea única ante el espectador).

http://www.pdnpulse.com/2009/03/announcing-the-2009-pdns-30.html

En el blog de Rob Haggart (del cual soy incondicional desde hace algún tiempo) se puede encontrar una lista de los fotógrafos y sus webs y un interesante debate sobre este trabajo (puedes leer su artículo aquí). La siguiente recolección está elaborada por Rob:

New York
Kathryn Parker Almanas- Clinton, NY [Fine art interior/still life]
Lucas Foglia- New York, NY [People in landscape with a fine art influence]
Wendy Ball and Dara Albanese- Brooklyn, NY [Traditional travel]
Martine Fougeron New York, NY [Fine art youth lifestyle]
Chiara Goia Brooklyn, NY [Color documentary with a fine art influence]
Flora Hanitijo- Brooklyn, NY [Dense color, fine art people and places]
Cornelia Hediger- New York, NY [Fine art self portrait interiors]
Victoria Hely-Hutchinson- Brooklyn, NY [Fine art color people and places]
Jared Moossy- New York, NY [B/W and color photojournalism]
James Pomerantz- Brooklyn, NY [Color documentary]
Fernando Souto- Brooklyn, NY [B/W Documentary]
Lucas Zarebinski- New York, NY [Food and product still life]

California
Chloe Aftel- Los Angeles, CA [Lifestyle with a snapshotty/polaroid aesthetic]
Cole Barash- Oceanside, CA [Snowboard sports and lifestyle (Caution: Music)]
Melissa Kaseman- San Francisco, CA [Fine art objects, people and places]
Lisa Wiseman- San Francisco, CA [Fine art people]

Oregon
Corey Arnold Portland, OR [Rich color documentary with a fine art appeal]
Toni Greaves- Portland, OR [Color documentary with a fine art influence]

Argentina
Alejandro Chaskielberg- Capital Federal, Argentina [Fine art narrative with rich color and shallow depth of field]
Emma Livingston- Buenos Aires, Argentina [Fine art color landscape]

Australia
Adam Ferguson- Newport, Australia [Color photojournalism]

Germany
Julian Faulhaber- Dortmund, Germany [Fine art graphic interior and exterior with patterns and everyday subjects]
Susanne Ludwig- Hamburg, Germany [Fine art people and empty industrial interiors and objects in patterns]

Ohio
Nathan Harger- Cleveland, OH [Graphic industrial fine art]

Washington DC
Jeff Hutchens, Washington, DC [Color and B/W documentary with a modern aesthetic]

Pennnsylvania
Justin Maxon- Philadelphia, PA [B/W and color photojournalism]

Egypt
Dominic Nahr- Cairo, Egypt [Color photojournalism]

Japan
Kosuke Okahara- Yokyo, Japan [B/W documentary]

China
Ryan Pyle- Shanghai, China [Color documentary]

Singapore
Darren Soh- Singapore, Singapore [Traditional color industrial and modern natural landscape]